The Dance by Matisse
Henri Matisse was fascinated by the notion of dancing and the potential to be moved by music. This curiosity became a recurring theme in Matisse’s artworks. Despite this, his Dancers painting did not earn the acclaim it has today when it was originally presented. In this article, we will try to comprehend a picture full of smart references so that we may better appreciate the actual spirit of the Matisse Dancers.
A Brief Introduction to Henri Matisse
| Nationality | French |
| Date of Birth | 31 December 1869 |
| Date of Death | 3 November 1954 |
| Place of Birth | Nice, France |
Henri Matisse is typically acknowledged as the most outstanding colorist of the 20th century, rivaling Pablo Picasso in regards to the significance of his innovation. He was a post-Impressionist who grew to recognition as the head of the French movement Fauvism. Despite his fascination with Cubism, he eschewed it in favor of using color as the cornerstone for expressive, ornamental, and very often monumental canvases.
Portrait of Henri Matisse, 1933; Carl Van Vechten, Public domain, via Wikimedia Commons
Still lifes and the naked human form were beloved subjects all throughout the span of his lifetime; North Africa would also prove to be a key influence; and, at the end of his life, he made a significant addition to collage art with a set of pieces utilizing color cut-out forms. He was also a well-known sculptor.
In Matisse’s Fauve artworks, he applied only pure hues and the white of uncovered canvases to generate an environment that was filled with light. Matisse employed opposing sections of pure, unmodulated color to add dimension and form to his paintings rather than utilizing shading or modeling. These concepts remained significant to him throughout his tenure.
Despite often being considered an artist committed to bliss and a sense of satisfaction, his application of patterns and colors is quite often disorienting and frightening. Matisse’s line drawings and paintings were highly inspired by various civilizations’ art.
Matisse reportedly stated that he intended his work to be one of “harmony, purity, and tranquility free of disturbing or gloomy subject matter,” and this ambition influenced those, such as Clement Greenberg, who turned to art to give refuge from the confusion of contemporary life. Matisse’s artwork was centered on the human body. He shattered the figure violently at times, while at others he treated it almost as a curved, ornamental feature. Some of his art reflected his subjects’ moods and personalities, but more often than not, he utilized them as vessels for his own sentiments, reducing them to ciphers in his massive works.
Henri Matisse, Paris, 1913; Alvin Langdon Coburn, Public domain, via Wikimedia Commons
After witnessing many displays of Asian art and going to North Africa, he blended some of the decorative aspects of Islamic art, the angular forms of African sculptures, and the flattening of Japanese prints into his own approach.
Some Abstract Expressionists, such as artist Lee Krasner, are influenced by Matisse’s many mediums; his paper cut-outs inspired her to slice apart and recreate her own works. Color field artists like Kenneth Noland and Mark Rothko were drawn to his large fields of intense color, as shown in the Red Studio (1911).
In contrast, Richard Diebenkorn was more concerned with how Matisse generated the perception of depth and the spatial friction between his subject matter and the flat canvas. Many, like Robert Motherwell, did not immediately demonstrate Matisse’s impact in their works but were impacted by his perspective on color and form in painting.
Картина «Танец в городе» — Artrue
Дата создания: 1883 год.Тип: Холст, масло.Габариты: 180*89см.Месторасположение: Музей Д’Орсэ, Париж.
Полотна с танцами
Картина «Танец в городе» (она же «Танец в Париже») была написана Пьером Ренуаром в 1883 году по заказу Поля Дюран-Руэля. Его заказ художнику состоял из трех живописных полотен, на которых были изображены танцующие пары. Художник с большим интересом отнесся к такому предложению, он уже был хорошо знаком с данной темой. Но на сей раз Ренуар решил создать слегка необычные картины, на всех них танцующие выглядели совершенно по-разному, но это была одна и та же пара.
Живописец создал интересную игру образов, перемещая танцующую пару между Парижем, Буживалем и деревней. В каждом из этих мест танцоры полностью преображались.
Танец в городе
На полотне «Танец в городе» изображены полные элегантности женщина и мужчина, слившиеся в танце посреди светлого богатого зала. На мужчине надет популярный в то время черный фрак. Он чувственно держит за талию свою партнершу крепкой рукой, облаченной в белую перчатку
Мужчина бережно прижимает даму к себе, окружая ее своим вниманием
Танцующая женщина имеет прекрасную фигуру, которую прекрасно подчеркивает богатое красивое платье, идеально сидящее на ней. Платье придает и без того хрупкой девушке, что видно по изгибу ее спины в руках сильного мужчины, легкости. Высоко собранные волосы дамы открывают зрительскому обзору ее спину и шею с белоснежной кожей. Танцовщица наделена необыкновенной красотой, черты ее лица превосходны. Также можно сделать вывод, что она очень хорошо танцует, если посмотреть на положение ее рук.
Для этих картин Ренуару позировал один его близкий друг, лицо которого на всех полотнах скрыто, что делает большой акцент на внешность девушки, образ которой художник писал со своей излюбленной натурщицы Мари-Клементины Валадон. Эта девушка вдохновилась творчеством Ренуара и со временем тоже нашла в себе талант. Через несколько лет после позирования для данного полотна она подалась в живопись и нашла свое призвание по другую сторону мольберта, став известной художницей под псевдонимом Сюзанн Валадон. Ее талант также передался и ее сыну Морису Утрилло.
Breaking the rules
Edgar Degas, Le Foyer de la danse à l’Opéra (1872)
In Dance, Matisse completely abandoned the “Frenchman craftsmanship” for an aesthetic associated more closely to primitivism and with African art. He takes the distances himself from detail and finesse, as found in Edgar Degas’ work inspired by ballet. Matisse’s style is distilled it to its essence and ignores established rules of genre, aesthetic, harmony and order. Instead, his work is about a raw feeling and energy. He gives a freedom to colour and line that had rarely been seen before.
However, Matisse’s aim wasn’t to shock or embarrass the audience. Quite the opposite, he sought to reunify humans with each other and with nature. As the painter said; “What I dream of is a balanced, pure and quiet art which can avoid the trouble or frustrating subjects. This kind of art gives everyone’s mind peace and comfort, like a comfortable chair where they can have a rest when tired.” Although many viewers at the time couldn’t see past the daring style of the painting, today we can appreciate the work as an ode to life, joy and nature.
6
2639
Контекст
Был прекрасный парижский день, Матисс работал в мастерской и никого не ждал. Внезапно к нему пришёл его старый знакомый Сергей Щукин, страстно любящий искусство и не жалеющий средств на пополнение коллекции. На дворе стоял 1908 год, и русский богач ещё не ощутил всех прелестей политических изменений на родине. Поэтому довольно решительно заказал у Матисса несколько панно для оформления своего московского особняка.
Щукину хотелось нечто аллегорическое на тему музыки и танца. Что не могло не обрадовать Матисса, которому эти темы были чрезвычайно по сердцу. «Я очень люблю танец. Удивительная вещь — танец: жизнь и ритм. Мне легко жить с танцем», — признавался мастер.
«Портрет Сергея Щукина». С. Крон. (wikipedia.org)
Надо сказать, что идея витала в мастерской Матисса уже несколько лет: года за 2 до заказа Щукина он написал картину «Счастье существования (Радость жизни)», на которой люди хороводят, а затем изготовил деревянный рельеф с пляшущими нимфами и несколько авторских ваз на тот же мотив.
«Когда мне нужно было сделать танец для Москвы, я просто отправился в воскресенье в Мулен де ла Галетт. Я смотрел, как танцуют. В особенности мне понравилась фарандола… Вернувшись к себе, я сочинил мой танец четырёхметровой длины, напевая тот же мотив», — рассказывал Матисс.
На полотне чувствуется влияние и Кранаха с его «Золотым веком», и греческой вазовой живописи, и «Русских сезонов» Сергея Дягилева.
По замыслу художника, человеку, входящему в дом с улицы, нужно сообщить чувство облегчения, поэтому для первого этажа был выбран сюжет с танцем, а для второго — с музыкой. Считается, что планировалось создать третье полотно — «Купание» (или «Медитация»), Но то ли дом Щукина был маловат (всего 2 этажа), то ли после разгоревшегося скандала заказчик решил притормозить художника. В итоге третье панно так и осталось в набросках.
«Музыка», 1910 г. Анри Матисс. (Государственный Эрмитаж)
Перед отправкой в Россию картины выставили на Осеннем салоне 1910 года в Гран-Пале. Что тут началось! Используя только 3 цвета и простые линии, Матисс сумел довести зрителей до белого каления. Мало того, что не потрудился прорисовать людей прилично, так ещё и не прикрыл ничем причинные места.
Все знали, кто платит за картину и в чьём доме она будет висеть. Щукина называли сумасшедшим, спонсором декадентов и собирателем хлама. Тут наш заказчик, надо признаться, струхнул… и отказался принимать работу. Милый Анри, прости-прощай. Вероятно, всё же танец полонил душу Щукина, потому что через несколько дней после отказа он отправил Матиссу телеграмму, в которой брал свои слова назад и просил всё же отправить панно в Москву.
«Я много размышлял и устыдился своей слабости и недостатка смелости. Нельзя уходить с поля боя, не попытавшись сражаться», — писал меценат художнику. Но гениталии всё же попросил закрыть как-нибудь изящно.
Наступил 1917 год. Таким людям, как Щукин, в новой России не было места. Ему повезло — успел уехать. Правда, за спасение жизни пришлось расплатиться своей коллекцией. Всё, что было нажито непосильным трудом, большевики конфисковали — полотна французских мастеров конца 19-го — начала 20-го века впоследствии поделили между собой Эрмитаж и ГМИИ им. Пушкина.
Женщина в шляпе (1905)
На 1905–1906 года пришёлся пик творчества Матисса в стиле фовизма. Смелое сочетание ярких цветов в те времена воспринимались как уродство и что-то несуразное. Особенно негативную реакцию вызвало у публики полотно «Женщина в шляпе». Его назвали «дикостью», по-французски fauve, от чего и произошло название течения — фовизм.
Если вспомнить, как публика принимала первых импрессионистов, то реакция на фовизм была ожидаемой. Публика негодовала, а художники нашли в этом направлении новую свежую струю.
«Женщина в шляпе» — неординарный, по мнению редакции most-beautyt.ru, женский портрет. На зелёном фоне зелёное асимметричное женское лицо смотрит на зрителей вполоборота — абсолютно не человеческий облик. Но художник видел образ по-своему и изобразил его без соблюдения правил и канонов.
4
Анри Матисс «Танец»: описание картины
Мастер подверг переработке свою первоначальную идею. В новеньком «Танце» появилось много реминисценций фовистских полотен, а сама тема прочитывается более очевидно. В композицию ворачиваются пластичность и обтекаемость контуров «декоративного» периода, очертания фигур вновь вторят строительным формам. Новый цикл панно, именуемый сейчас «Мерионским», установленный в Фонде Барнса в мае 1933 года, сам Матисс называл «дионисийским».
Тема танца все еще представлялась Матиссу незавершенной, и он воспринимает решение вернуться к многострадальному начальному полотну, ждавшему художника в мастерской-гараже. Уже к ноябрю Матисс завершает «бумажный» вариант композиции, который кропотливо переносит на новые, специально заказанные холсты. Это были конкретно те полотна, которые хранятся в Музее современного искусства городка Парижа, а на данный момент выставлены в Москве. Полотно с начальным вариантом, на котором оставались начатые еще зимой 1931/32 года эскизы композиции, служившее основой для картонных тестов и поэтому усыпанное следами булавок, было свернуто в рулоны и оставалось позабытым вплоть 1992 года. Потом оно было также приобретено Музеем современного искусства городка Парижа и на данный момент понятно как «Незавершенный» «Танец».
Окончательный вариант «Парижского» «Танца» живописец считал воплощением воинственного начала. Вначале более смелый и конкретный по решению, осенью 1933 года он перевоплотился для мастера к тому же в знак победы над разлучившими его с возлюбленным детищем обстоятельствами. «Парижский» «Танец» приобретает значение эстетического манифеста, утверждающего, кроме новых форм и приемов, к тому же право мастера на творческое выражение в современном мире.
Творческие находки Анри Матисса, изготовленные во время работы над «Танцем», получили развитие в позднем творчестве самого мастера и его младших современников. С этого момента техника декупажа (от франц. decouper — вырезать) стала одной из главных для художника. Бумажные предварительные элементы композиции «Танца», перестав быть техническим приемом, обрели самостоятельную художественную ценность: рассыпавшись, они воплотились в бессчетных сериях графических листов и книжных иллюстрациях. Абстрактная арабесковость все более отстраняющейся от действительности композиции впритирку приблизила Матисса к художникам беспредметности — мастер будто бы балансирует на грани перевоплощения вида в отвлеченный символ.
В конце концов, даже такая техно подробность, как возможность выполнения произведения искусства обычным маляром, копирующим размещение картонных листов, воспринимается как акция, изучающая подход художника к настолько животрепещущей для авангарда дилемме уникального и массового. Матисс, глава первого новаторского художественного движения XX столетия, по истечении его первой трети вновь попробовал дать ответы на нескончаемые вопросы о месте человека в обществе и мире, зыбучем равновесии меж рационализмом цивилизации и первобытной энергией инстинкта, соотношении, столкновении и диалоге в людской личности природного и общественного.
Primitivism and Fauvism
Example of a primitivism painting by Max Pechstein: Killing of the Banquet Roast (1912)
The Fauves shared primitivists’ interests in indigenous communities and they were inspired by primitivism to create art that returned to the essence of nature and communion. Dance’s crudely outlined figures recall primitivist styles and the subject matter, figures communing within an empty, perhaps “virgin” landscape, can be read as an advocation for a necessary reunification with nature. For example, the figure’s nakedness demonstrates a rejection of modern civilisation. The artwork becomes a symbol of unity between man, heaven and earth.
Matisse aimed to create a synthesis of primitivism; the clumsy figures inspired by primitive and folk art and bright energetic colours expressed instinct and nature. The individuals are entirely lost in their dance, oblivious to any daily obligations and work. Matisse does not focus on the dancers’ individual appearance, but rather on the movement and rhythm they create together. The dance is the ultimate symbol of the reconciliation of individuals.
Close Up of The Dance‘s Round
The five figures are holding hands in a circle, but on the left, we can notice that the two individuals’ hands are parted; they only slightly brush instead of holding. However, Matisse carefully placed the rupture where it overlaps the other figure’s leg as not to break the colours and circle’s harmony. The rupture’s point being closest to the viewer’s position, it can be interpreted as an invitation to join in the dance. The circle comes to find those that “are outside,” and thus unify individuals.
Улитка (1953)
Похожая на детскую аппликацию, «Улитка» может показаться несведущему зрителю чем угодно. Название, данное художником, подсказывает, в каком направлении следует мыслить. На самом деле, нет никакой улитки. Это абстрактное изображение призвано для того, чтобы передать сущность предмета, а не его точное изображение.
Вырезанные из цветной окрашенной бумаги прямоугольные фигурки наклеены на базовый фон таким образом, что создаётся впечатление движения по спирали. Это полотно завораживает, его можно рассматривать часами с разных сторон. Самое главное — оно заставляет человека думать и не скрывать свои эмоции.
Анри Матисс. «Танец» | Искусство жить
Рассказ об одной картине
Панно Анри Матисса «Танец» занимает почти целую стену, настолько оно велико.
Огромная картина поражает. На сине-зеленом фоне четко выделяются красные фигуры. Всего три краски – а какая сила выразительности!
Французский художник Анри Матисс (1869 – 1954) считается самым ярким представителем фовизма – одного из первых течений модернизма. В своих произведениях он показал силу выразительности чистого цвета и доказал, что гармоничными могут быть даже самые немыслимые до той поры цветовые сочетания.
В 1908 году известный русский меценат и коллекционер Сергей Иванович Щукин заказал художнику три декоративных панно « Танец», «Музыка» и «Купание, или медитация» для своего дома в Москве. Именно ему мы обязаны счастьем лицезреть великолепные работы Матисса в России.
В панно «Танец» (1910г.) представлен экспрессивный вакхический танец, навеянный впечатлениями от русских сезонов Сергея Дягилева, выступлений знаменитой танцовщицы Айседоры Дункан и греческой вазовой живописи.
Пять человек, взявшись за руки, образуют круг – замкнутое пространство, заряженное энергией их движения. Пять обнаженных фигур слились в одно целое, они живут одной музыкой, одним моментом, одним дыханием. Холст буквально передает душу танца, эмоцию движения. Есть только танец, только его стремительный вихрь в синем космическом пространстве!
Обнаженность фигур напрямую связана с естественной обнаженностью помыслов и порывов, характерных для народов, не испорченных цивилизацией.
В «Музыке» Матисс представляет изолированные фигуры, поющие и играющие на различных инструментах. Третье панно — «Купание, или медитация» — осталось лишь в набросках.
Работы были показаны в Салоне 1911. Обнаженность фигур и открытость их поз, не скрывающих бесстыдной наготы, вызвали бурю негодования. По просьбе Щукина художнику даже пришлось закрасить «срамные места» своих персонажей. В связи с установкой панно Анри Матисс посетил Россию и Москву, дал несколько интервью для газет, а также открыл для себя русскую иконопись, которая потрясла его.
Панно «Танец» можно увидеть в Государственном Эрмитаже в Санкт-Петербурге.
Влияние художника на искусство
Матисс был одним из ведущих представителей фовизма – художественного направления, которому характерны насыщенные яркими красками и моментальные переключения цвета. «Танец» идеально отражает основные принципы фовизма, используя яркую палитру и абстрактные формы.
Эта картина имеет значительный вклад в развитие современного искусства. Ее абстрактные формы и необычная композиция вдохновили многих художников-абстракционистов, таких как Жорж Брок, Жан Миро и Пабло Пикассо. Влияние Матисса на абстракционистов проявилось в использовании ярких красок, необычной геометрии и динамичности форм.
Кроме того, «Танец» также оказал влияние на развитие современного танца и балета. Картина воплощает двигательную энергию и ритм, которые впоследствии нашли свое отражение в многих танцевальных постановках. Один из наиболее известных примеров – балет «Танец», созданный Маурисом Бежартом в 1987 году.
Таким образом, Матисс и его картина «Танец» играют важную роль в истории искусства. Они оказали значительное влияние на развитие абстрактного и современного искусства, а также на танец и балет. Его стиль и техника продолжают вдохновлять и восторженно осваиваться современными художниками и хореографами.
Вид Коллиура (1905)
Полотно «Вид Коллиура» принято относить к 1905 году, когда Матисс работал на побережье Средиземного моря. В картине очень хорошо передается колорит южной природы, что художник умело демонстрирует красками. В работе не понадобились цветные тени – эффект солнечного света возникает за счет оранжевых, красных, малиновых и лилово-розовых пятен.
Эти цвета мы видим повсюду: на церкви, «пропеченной» солнцем земле, стенах домов. Когда картина Матисса была выставлена в 1905 году в Осеннем салоне, зрители были потрясены от увиденного. Ранее они не видели такой дерзости открытого цвета, импульсивности, с которой работал художник, упрощенности приемов.
Биография[]
Анри Эмиль Бенуа Матисс родился в Ле Като-Камбрези на севере Франции. Он был старшим сыном в семье Эмиля Матисса и Анны Жерар. Его детские годы прошли в соседнем городке Боэн-ан-Вермандуа, где его отец, торговец зерном, держал лавку. Мать увлекалась росписью керамики. С 1882–1887 гг Анри учился в средней школе и, после неё, обучался в лицее Henri-Martin. В 1887 он уехал в Париж изучать юриспруденцию в Школе юридических наук. В августе 1888 года, после окончания учёбы, 18-летний Анри получил право работать по этой специальности. Он возвращается в маленький городок Сен-Кантен и начинает работать помощником адвоката.
Обучение живописи
В 1889 году у него случился приступ аппендицита. Когда он поправлялся после операции, мать купила ему принадлежности для рисования. Тогда юный Анри впервые начал живописать — во время двухмесячного пребывания в больнице он копировал цветные открытки. Это его так увлекло, что он, к огорчению своего отца, решил стать художником. Анри записался в школу рисунка Кантин де ля Тур (фр. Ecole Quentin de la Tour), предназначенную для чертежников текстильной промышленности. В 1891 году Анри снова приехал в Париж. Он поступил в Академию Жюлиана, где учился у Бурго — мастера салонного искусства. В 1893 году он перешел в Школу изящных искусств, где занимался в мастерской у Гюстава Моро. Анри копировал произведения старых французских и голландских мастеров. Там он познакомился с юным Альбером Марке и Жоржем Руо, а также с Камуэном, Мангеном и бельгийским художником Эвенепулом. В 1894 году модель Матисса Каролина Жоблоу (фр. Caroline Joblau) родила ему дочь Маргариту (1982). Этим же годом датирована работа Читающая (Государственный музей современного искусства, Париж). Лето1896 года он проводит на острове Бель — Иле, вместе с Эмилем Бери, своим соседом по лестничной площадке. Здесь же он знакомится с австралийцем Джоном Питером Расселом. Друг Родена, коллекционер произведений Эмиля Бернара и Ван Гога, с которым он работал на протяжении десяти лет, Рассел подарил Матиссу два рисунка Ван Гога. В 1896 году Матисс выставляет четыре картины в Салоне Национального общества изящных искусств и вскоре избирается членом-корреспондентом этого общества. Картина «Читающая» была приобретена государством для резиденции президента Франции в Рамбуйе. В эти года, французская публика уже смирилась с импрессионизмом. Даже самые консервативные критики приняли это течение, как данность. Начинающие художники стремились подражать недавним «бунтарям» Моне, Сислею, Писарро, Эдуару Мане, Берте Моризо, Ренуару. Матисс также копировал их манеру письма. С 1890 по 1902 он ежегодно создавал несколько картин, близких по духу импрессионистам. Таковы натюрморты «Бутылка шидама» (1896), «Десерт» (1897), «Фрукты и кофейник» (1898), «Посуда и фрукты» (1901) В 1898 году 28-летний Анри женился на Амели Пареир (фр. Amélie Noellie Parayre). У них родилось два сына: Жан в 1899, и Пьер в 1900.
Период фовизма (1900–1908)
Поиски непосредственной передачи ощущений при помощи интенсивного цвета, упрощённого рисунка и плоскостного изображения отразились в произведениях, представленных им на выставке «диких» (фовистов) на Осеннем Салоне 1905 года. Кроме того, Матисс испытал сильное влияние произведений исламского искусства, показанных на выставке в Мюнхене. Две зимы, проведённые художником в Марокко (1912 и 1913), обогатили его знанием восточных мотивов, а долгая жизнь на Ривьере способствовала развитию яркой палитры. В отличие от современного ему кубизма, творчество Матисса не было умозрительным, а основывалось на скрупулезном изучении натуры и законов живописи. Его полотна, изображающие женские фигуры, натюрморты и пейзажи, могут показаться незначительными по теме, однако являются результатом долгого изучения природных форм и их смелого упрощения. Матиссу удавалось гармонично выражать непосредственное эмоциональное ощущение действительности в самой строгой художественной форме. Прекрасный рисовальщик, Матисс был по преимуществу колористом, добивавшимся эффекта согласованного звучания в композиции многих интенсивных цветов. Наряду с живописными произведениями известны его блистательные рисунки, гравюры, скульптуры, рисунки для тканей. Одной из крупных работ художника стали оформление и витражи доминиканской Капеллы Четок в Вансе (1951).
Вдохновение и символика
Матисс был вдохновлен этническим танцем, который наблюдал в Морокко во время своей поездки в 1910 году. Он погрузился в местную культуру и был поражен энергией и грацией исполнения танцоров. В результате этих впечатлений он создал картину «Танец», чтобы запечатлеть и передать эту энергию.
Картина представляет собой яркую композицию, в центре которой два танцующих тела, соединенных рукой и ногами в жесте единства и гармонии. Окружающий фон состоит из абстрактных, почти геометрических форм и ярких цветов, которые создают ощущение движения и ритма.
«Танец» Матисса также имеет глубокую символическую значимость
Он отражает важность музыки и танца в жизни художника и человечества в целом. Использование ярких красок и абстрактных форм символизирует радость и энергию, которые могут быть вызваны искусством и творчеством
Однако, помимо положительных аспектов, «Танец» также может восприниматься как комментарий к социальным проблемам и конфликтам в обществе. При ближайшем рассмотрении, достаточно заметно, что фигуры на картине не представлены в их цельных формах, а напоминают фрагменты. Это может указывать на разделение и раскол в обществе.
В целом, картина «Танец» не только отражает важность музыки, танца и искусства в жизни художника, но и вызывает мысли о более глубоких социальных и символических аспектах. Она остается актуальной и вдохновляющей для зрителей по всему миру и до сих пор
Зелёная полоса (1905)
В том же стиле Матисс изобразил свою жену. Полотно под названием «Зелёная полоса» произвело не меньший фурор, как и «Женщина в шляпе». Публика негодовала, что более уродливого портрета она ещё не видела. Неряшливость, безумные цвета и зелёная полоса, разделяющая лицо на две части, возмущали зрителей.
В то же время, критик Жак Ривьер сказал о портрете, что он необычайно правдив. Жена художника обладала стойким и жёстким характером, который Матисс передал при помощи цвета блистательно. Особенно поражает выражение глаз мадам Матисс. Этот непроницаемый взгляд полон загадок и глубины.
5